art is everyday
Mirijam Heiler
Anja Marschal
24.06.21-24.08.21
curated by
Maximilian Pellizzari & Leonardo Cuccia
text by
Maximilian Pellizzari
IT
La mostra art is everyday presenta dipinti e sculture di Mirijam Heiler (Bressanone, 1991) in dialogo con opere di ceramica di Anja Marschal (Ahlen, 1989) e abbraccia l’arte come parte simbiotica della vita quotidiana.
La selezione di opere di Mirijam Heiler in mostra cerca di tracciare la sua evoluzione pittorica in un arco di tempo di oltre cinque anni, dal 2015 al 2021. I dipinti più recenti sono realizzati attraverso una tecnica elaborata dall’artista, che prevede l’utilizzo di un reticolato che viene rimosso alla fine del processo pittorico. Ciò che rimane è sia una presenza cancellata della griglia, sia una moltitudine di porzioni di pittura di dimensioni identiche. In alcuni punti questa struttura si rompe sotto l’attrito esercitato dal tocco del pennello e simultaneamente vengono generati campi di colore. Questi diventano elementi di una composizione non intenzionale, sottoprodotti dell’azione pittorica e quindi non il risultato di una scelta formale.
Questi dipinti tentano di interrogare il valore storico e culturale di strutture come griglie, confini e recinzioni usate per la demarcazione e dunque di controllo dello spazio da una prospettiva femminista e attraverso un approccio post-pittorico al medium.
Usando e trattando queste strutture l’artista conduce un’indagine filosofica sulla natura formale della divisione. Queste ostruzioni percettive si interpongono infatti tra chi guarda e la pittura stessa, creando un campo cromatico frammentato che si ricompone nella mente dello spettatore. Le diverse sfumature di ogni porzione di colore rivelano l’impossibilità di suddividere un’esperienza mutevole in parti uguali, percepite insieme come parte di una totalità che esiste nella sua mutevolezza.
Le opere di Anja Marschal emergono da un atteggiamento specifico contro la rigidità delle forme e l’omologazione nel design industriale e dall’intenzione di sviluppare la sua pratica artistica all’intersezione tra oggetti funzionali e scultura in ceramica. Le sue opere presentano un’esplorazione formale e organica del candelabro barocco concepiti per essere integrati nell’ambiente domestico, diventando così parte di un rituale quotidiano.
Il candelabro implica attributi religiosi e culturali che si riferiscono al sacro e al conviviale. Attraverso l’attivazione di questo oggetto, le candele bruciano creando una cornice temporale definita attraverso la loro lenta scomparsa e generano un centro attorno al quale può dispiegarsi uno spazio sociale fluido. Nella casa simboleggia ospitalità e ritrovi informali, celebrazione e intimità.
Le sculture si formano organicamente attraverso il suo rapporto tattile con l’argilla e incorporano qualità come vitalità e morbidezza in un oggetto che può essere adattato per valorizzare eventi di natura sociale. Le forme risultanti ricordano quelle naturali: funghi che crescono insieme dalla stessa radice o coralli di pietra formati dalla calcificazione sott’acqua, suggerendo metaforicamente un’interconnessione tra sfere sociali appartate ma permeabili.
DE
In der Ausstellung art is everyday werden Gemälde und Skulpturen von Mirijam Heiler (Brixen,1991) in Dialog mit Keramikarbeiten von Anja Marschal (Ahlen,1989) präsentiert und Kunst wird als symbiotischer Teil des täglichen Lebens betrachtet.
Die gezeigte Auswahl an Arbeiten von Mirijam Heiler verfolgt ihre malerische Entwicklung über eine Zeitspanne von über fünf Jahren, von 2015 bis 2021. Die neuesten Gemälde entstehen durch eine von der Künstlerin entwickelte Technik, bei der ein Gitternetz verwendet wird, das am Ende des Malprozesses entfernt wird. Dabei bleibt sowohl eine ausradierte Präsenz des Gitters als auch eine Vielzahl von gleich großen Farbpartien zurück. An einigen Stellen bricht diese Struktur unter der Reibung durch die Berührung des Pinsels auf und generiert gleichzeitig unterschiedliche Farbfelder. Diese werden zu Elementen einer unbeabsichtigten Komposition, Nebenprodukten der Malaktion und sind somit nicht das Ergebnis einer formalen Wahl.
Diese Gemälde versuchen, den historischen und kulturellen Wert von Strukturen wie Gittern, Grenzen, Zäunen, die zur Abgrenzung von Räumen verwendet werden (d.h. Strukturen der Kontrolle), aus einer feministischen Perspektive heraus und durch einen postmalerischen Zugang zum Medium hin in Frage zu stellen.
Durch die Verwendung und den Umgang mit diesen Strukturen führt die Künstlerin eine philosophische Untersuchung über die formale Natur der Teilung durch. Diese Wahrnehmungshindernisse stehen zwischen den Betrachtenden und dem Gemälde selbst und erzeugen ein fragmentiertes chromatisches Feld, das im Kopf neu zusammengesetzt wird. Die unterschiedlichen Nuancen der einzelnen Farbpartien offenbaren die Unmöglichkeit, eine veränderbare Erfahrung in gleiche Teile zu unterteilen, die zusammen als Teil einer in ihrer Veränderlichkeit existierenden Totalität wahrgenommen werden.
Die ausgestellten Arbeiten von Anja Marschal zeichnen sich durch ihre spezifische Haltung gegen die Starrheit der Formen und die Homologierung im Industriedesign aus. Ihre künstlerische Praxis entwickelt sie somit an der Schnittstelle zwischen funktionalen Objekten und keramischer Skulptur. Ihre Arbeiten stellen eine formale und organische Auseinandersetzung mit barocken Kandelabern dar, die so konzipiert sind, dass sie in das häusliche Umfeld integriert und somit Teil eines alltäglichen Rituals werden.Kandelaber implizieren religiöse und kulturelle Attribute, die sich auf das Heilige und das Gemeinschaftliche beziehen. Durch die Aktivierung dieses Objekts werden Kerzen abgebrannt, die durch ihr langsames Verschwinden einen definierten Zeitrahmen schaffen und ein Zentrum erzeugen, um das sich ein fluider sozialer Raum entfalten kann. Hier steht er für informelle gemeinschaftliche Versammlungen und Gastfreundschaft, Festlichkeit und Intimität.
Die Skulpturen entstehen durch ihre taktile Beziehung zum Ton und übertragen Lebendigkeit und Weichheit auf ein Objekt, das sich zur Verstärkung von Ereignissen sozialer Natur eignet. Die entstehenden Formen erinnern an Naturelemente: Pilze, die aus derselben Wurzel zusammenwachsen oder Steinkorallen, die sich durch Verkalkung unter Wasser bilden und metaphorisch eine Verbindung zwischen abgeschiedenen, aber durchlässigen sozialen Sphären suggerieren.
photo: Martino Stelzer
photo: Martino Stelzer
photo: Martino Stelzer
EN
The exhibition art is everyday presents paintings and sculptures by Mirijam Heiler (Brixen,1991) in dialogue with ceramic works by Anja Marschal (Ahlen,1989) and embraces art as a symbiotic part of daily life.
The selection of works by Mirijam Heiler in the show attempts to trace her pictorial evolution over a time span of over five years from 2015 to 2021. The most recent paintings are made using a technique developed by the artist, using a grid that is removed at the end of the painting process. What remains is both an erased presence of the grid and a multitude of identically sized slices of paint. In some points this structure breaks under the friction exercised by the touch of the brush and fields of colour are simoultaneously generated. Those become elements of an unintentional composition, by-products of the painting action and therefore not the result of a formal choice.
These paintings attempt to interrogate the historical and cultural value of structures like grids, borders, fences used for the demarcation of space (i.e. structures of control) from a feminist perspective and through a post-painterly approach to the medium.
By using and dealing with these structures the artist carries out a philosophical investigation into the formal nature of division. These perceptual obstructions stand between the beholder and the painting itself, creating a fragmented chromatic field that is recomposed in the mind of the viewer. The different nuances of each spot of paint reveal the impossibility of subdividing a mutable experience into equal parts, perceived together as part of a totality that exists in its mutability.
Anja Marschal’s exhibited works are characterised by her specific attitude against the rigidity of forms and homologation in industrial design and an intention to develop her artistic practice at the intersection between functional objects and ceramic sculpture. Her works present a formal and organic exploration of baroque candelabras conceived to be integrated into the domestic environment, thereby becoming part of an everyday ritual.
The candelabra implies religious and cultural attributes that relate to the sacred and the communal. Through the activation of this object, candles burn creating a defined time frame through their slow disappearance and generate a center around which a fluid social space can unfold. Losing its original function after the electric evolution, its position has been reframed inside the household. Here it stands for informal communal gatherings and hospitality, celebration and intimacy.
The sculptures are formed through her tactile relation to clay and convey qualities of liveliness and softness out of an object that can be adapted to enhance happenings of social nature. The resulting forms recall natural ones: mushrooms growing together from the same root or stone corals formed by calcification underwater, methaporically suggesting an interconnection between secluded but permeable social spheres.
photo: Martino Stelzer